Festival Sâlmon 2020





EL CÓDIGO ES MENTAL, a la Revista Susy-Q

Nos acercamos a hablar con Lautaro Reyes, director de Camaralucida, que estrena el próximo 13 de febrero en El Graner su creación Ceremonia, dentro del Festival Sâlmon. Esto fue lo que nos contó...

Texto_JORDI SORA Foto_TRISTÁN PÉREZ MARTÍN / LA CALDERA

Barcelona, 11 de febrero de 2020

Encajar con precisión las propuestas de un Festival que se autodenomina de las Artes Vivas es uno de los aciertos más destacados del Sâlmon, que viene desarrollando su octava edición en Barcelona desde finales de enero y hasta esta primera quincena de febrero de 2020 en distintos espacios de la ciudad, teniendo El Graner, Centre de Creació, como epicentro. Entre las producciones que se estrenan, llega justamente a Graner los días 13 y 14 de febrero próximos la danza más abstracta de la mano de Lautaro Reyes, joven creador formado bajo las exigencias de la escuela cubana y que ha desarrollado su carrera en It Dansa. Junto a Guido Sarli y Manuel Rodríguez, participó en la muy premiada Loser Kings, de 2012, año en el que funda su propia compañía Camaralucida. Hemos podido hablar con él unos días antes del estreno de su nueva creación Ceremonia, en Sâlmon.

“Piensa en los cuadros de Ad Reinhardt: alguien que con determinación, no como evolución en su carrera profesional, proponía un reto al público: la abstracción.” Y es que el trabajo de Lautaro Reyes es, ante todo, un diálogo indefinido entre sus intérpretes, siempre excelentes, y el espectador. “Tuve ocasión hace poco de ver uno de sus cuadros, No. 5, un óleo sobre tela de 1963, de grandes dimensiones, todo negro. Lo contemplé largamente, hasta que sentí que me abrazaba esa impresión oscura -la nada-, como que salía del propio lienzo para envolverme.”

Esa podría ser una referencia para entender la nueva creación Ceremonia que ha montado con Xavier Auquer, Alba Barral y Élise Moreau. Tres colores situados en un mismo plano del escenario, en diálogo entre ellos, paisajes interpelados por un ejercicio de introspección. “Lo imaginario -unas especies de “casas” de diferentes niveles de profundidad, un lugar que construyes a partir del simbolismo y que puedes revisitar- frente a lo corpóreo y el movimiento” y cómo se produce esa traslación. “Sí, es abstracto. No puedo negarlo. Pero busco eso, una especie de conexión entre ellos tres y con la platea, siempre en el plano sensorial.” Un dispositivo al que contribuyen el espacio sonoro de Quim Fondevila y la iluminación de Horne Horneman. Trabajan en equipo, se contagian de ideas, prueban y descartan cosas. Se echan unas risas entre ensayos y vuelta a empezar. “Determinamos ciertos parámetros en los que poder explorar libremente, una especie de kinesfera compartida: una membrana que comunica los tres intérpretes, con mayor o menor plasticidad en el espacio que comparten.”

Pieza básicamente construída en Barcelona. “Estoy en el mejor de los contextos: el Festival Sâlmon”, asegura. Se fue gestando a partir de una investigación sobre el diseño de un mecanismo para traducir el imaginario a la fisicalidad. “Quería ver cómo se podía trasladar lo mental a lo material.” Pero lo que más interesa al autor es aquello que tiene que ver con el aparato escénico, “un marco de exposición y de visualización.” Y en eso tiene mucho que ver esa actitud contemplativa del cuadro de una exposición, que requiere tiempo. Aquí desde “el protagonismo del cuerpo, en una relación no jerárquica con el espacio, la luz y el sonido.”

“No hay muchas posibilidades para trabajos como los que proponemos desde Camaralucida” se lamenta. En eso perdemos todos. Y de hecho hay pocos referentes. Algunas propuestas se desarrollan en un plano cercano al trabajo de Lautaro Reyes, pero desde el agotamiento de lo físico, aunque llegan con cuentagotas a la ciudad. Pero para el coreógrafo lo importante no es ni el clímax ni la grandilocuencia, sino “pensar desde otro lugar. Creo, en este sentido, que es un tipo de propuesta que tendría muchas posibilidades en espacios como un museo o una sala de exposiciones. Convenientemente adaptado, claro. Como instalación.”

Con todos estos variados componentes en su génesis y construcción, como nos ha explicado, parece que lo más oportuno con Ceremonia es acercarse y experimentarla. “Si me preguntas qué busco con este tipo de trabajo pues te diré que poder establecer una serie de elementos que permitan un código abierto en donde tú como espectador puedas permitirte entrar en lugares que no son descriptibles, que no son tangibles; pero sí que son innegables.”

“La pieza es un ejercicio escénico mental” - concluye. ¿Te animas a jugar con ellos?
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Crítica de dansa: Várvara de Bárbara Sánchez

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Festival Sâlmon 2020: dansa viva: article a Teatre Barcelona

29 Gener 2020
Per Jordi Sora

A contracorrent: performance i arts contemporànies. I dansa. Així es presenta cada any la festa de la descoberta. I aquesta n’és la vuitena edició. La millor oportunitat per sortir dels marges, per experimentar una manera diferent d’entendre les arts escèniques: espectacles, diàlegs, pràctiques artístiques i dispositius diversos. Naturalment que el més interessant és l’abonament complet al Festival. Tot és important de conèixer. Però no sempre tenim temps per a tot. Així que des d’aquí tres propostes fixant la mirada en el moviment com a eix central i dins de la programació escènica: 

7 de febrer a les 21:30h. – Bàrbara Sánchez – Mercat de les Flors – Várvara
De quina manera el sentiment de pena recorre el cos nu de la intèrpret va ser la temàtica de la darrera producció de la sevillana que vam tenir la sort de poder veure a Barcelona: Somewhat Paler. Probablement allò que va experimentar Maria Magdalena davant del martiri del seu Amor. Bárbara Sánchez (re)imagina aquella relació i la transforma en una sessió de música electrònica i fetitxisme. Per a major escàndol, potser. O senzillament com a acte de memòria femení, de justícia poètica davant d’un personatge del qual només se’ns ha explicat, excepte comptats i anecdòtics episodis, la seva vida en absència de l’Altre i no pas en presència carnal d’ella, que és allò que aquí es reivindica ballant. I anuncia que vol fer-ho aplegant la cultura del “bacalao” valenciana i la mística: singular, no?

8 de febrer a les 22h. – Marta Izquierdo [lodudo] Producción – Mercat de les Flors – Imago-go
L’artista madrilenya està investigant al voltant de les comunitats femenines marginals, en un tríptic que inaugura aquesta peça. El seu interès és el cos i com aquest queda definit per uns codis determinats en una representació tan específica com són les majorettes. Amb el pal com a estri que fa les funcions d’extensió del braç; amb les seves lògiques coreogràfiques i habilitats de malabars; el vestuari i l’arquetip de gènere que porta explícit una certa cosificació; i la tècnica i la disciplina que en són pròpies. Una activitat per a la qual calen moltes hores d’entrenament i a on la coreògrafa observa pautes del ballet clàssic; passos de la contemporània; puntuacions d’altres diverses fonts entre les quals podem trobar elements performatius i de les danses urbanes. Convenientment (re)apropiat tot plegat, és clar.

13 de febrer a les 20h. i 14 de febrer a les 19h. – Camaralucida – El Graner – Ceremonia
Entrar a les coreografies de Lautaro Reyes és fer-ho en un terreny fèrtil on tot sembla reconeixible i res no és gaire real. Porta des del 2012 investigant amb la seva companyia, sempre al costat de grans i impressionants intèrprets, al voltant de l’experiència escènica: pensada així, com a lloc de trobada, on l’espectador és convidat a fer tantes coses com els seus ballarins. Aquests des d’un fort llenguatge corporal, nosaltres des d’una contemplació amatent i mental. És un cant a la subjectivitat, a la lliure apreciació, des d’un túnel sensorial cap a una projecció emocional on cada element requereix una precisa posició (moviment, llums, so) en direcció a l’abstracció que s’ancora al cos de la vivència. S’estrena al Festival Sâlmon: accepteu el repte?

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